Si observamos, a la izquierda del grupo de dos teclas negras está la nota do, y todas las demás van seguidas. Donde pone en rosa 1/2T quiere decir medio tono (que es lo mismo que un semitono y 2 semitonos = 1 Tono).
miércoles
EL TECLADO DEL PIANO
Si observamos, a la izquierda del grupo de dos teclas negras está la nota do, y todas las demás van seguidas. Donde pone en rosa 1/2T quiere decir medio tono (que es lo mismo que un semitono y 2 semitonos = 1 Tono).
EL JAZZ Y LA PIANOLA
El jazz
nace a partir del canto espiritual negro que es el blues o el ragtime. Tiene
forma libre, con un acompañamiento regualr sincopado. Rítmicamente se
caracteriza por el uso del swing, que consiste en la interpretación de las dos
corcheas alargando ligeramente la primera
La improvisación tiene gran importancia melódia en el jazz. Se trata
de un fragmento que el solista, llevado por su fantasía, crea en el mismo
momento que lo está interpretando, sin tenerlo escrito en la partitura. Para
realizar una improvisación hay que ceñirse al carácter y armonía del tema
Una jam- sesión es una
sesión de jazz en la que cada músico improvisa su parte.
El ragtime es un tipo de
composición musical negroamericana que, junto con el blues, constituye la base
de la música jazz.
Su característica principal
es el desplazamiento de la acentuación
en la melodía y el constante acompañamiento rítmico en compases binarios.
 | |||
| La pianola, anepasado del mp3, ¡¡¡pero mucho más grande!!! |
Su origen es esencialmente
pianístico y se popularizó gracias a la aparición de la pianola, una piano cuyas teclas sonaban también de forma automática mediante un papel perforado llamado
rollo. Este instrumento estuvo de moda a finales del siglo XIX, época en la que
nació el ragtime. La pianola también se podía tocar como un piano. Es el reproductor mp3 de la época.
 |
| Rollo original de pianola: Los primeros CDs. |
Scott Joplin (1868 - 1917) fue uno de los compositores de rags más famoso. Aun se conservan rollos de pianola grabados por él. Es muy famoso su ragtime The entertainter, por ser la banda sonora de la película El Golpe.
LAS NOTAS EN LA FLAUTA
 |
| Aquí tenemos cómo se colocan las notas en la flauta. Recuerda que la mano izquierda siempre va arriba y la derecha abajo. De la mano izquierda no utilizamos el dedo pequeño. |
LOS INTERVALOS DE SEGUNDA
2. Después empieza a pegar saltos, sabiendo que cada salto es 1 semitono y que dos saltos son un tono.
Y ahora vamos con los intervalos de segunda...
Decimos que un intervalo es de segunda cuando hay DOS notas involucradas en él.
¿QUÉ ES UNA BIG BAND?
Es una agrupación fomada por muchos instrumentistas y estructurada en dos secciones: una rítmica y otra melódica. En esta formación, la interpretación de los solitas, tanto si es imprvisada como si no, contrasta con la del conjunto instrumental.
En la sección rítmica de una big band entoramos a la guitarra, el piano, el contrabajo y la batería.
En la sección melódica, estarían los instrumentos de viento (saxo, clarinete, trompeta y trombón).
Pincha aquí para escuchar una big band
En la sección rítmica de una big band entoramos a la guitarra, el piano, el contrabajo y la batería.
En la sección melódica, estarían los instrumentos de viento (saxo, clarinete, trompeta y trombón).
Pincha aquí para escuchar una big band
HIMNO DE EUROVISIÓN
martes
BIOGRAFÍA DE BEETHOVEN
A pesar de que el propio Beethoven siempre pensó que había nacido el 15 de diciembre, el único dato fiable del que disponemos dice que Ludwig van Beethoven fue
bautizado el 17 de diciembre de 1770, en Bonn. En consecuencia, se cree que realmente nació el día 16 de diciembre porque la tradición alemana de aquel tiempo era bautizar a los niños un día después de su nacimiento. Su familia era inmigrante en
Alemania y provenía de Flandes, Bélgica. Su abuelo era un gran músico y su
padre era cantor y músico en la corte de Bonn (Alemania), con una persistente
inclinación hacia la bebida. Su madre ha sido siempre descrita como una mujer
dulce, modesta y pensativa. Beethoven hablaba de ella llamándola su "mejor
amiga". La familia Beethoven tuvo siete hijos, pero solo tres varones sobrevivieron,
de
los cuales Ludwig fue el
mayor.
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lunes
Zapatos de colores
¡¡¡Aquí está!!! Ya lo habíamos avisado, lo íbamos a publicar en breve... pincha en el link de abajo, donde pone "Zapatos de colores" y disfruta de este temazo grabado por los niños y niñas de 5º y 6º del taller de guitarra.
Zapatos de colores
Zapatos de colores
LOS ACORDES EN LA GUITARRA
Aquí tenemos nuestro panel de acordes, para poder consultarlos y practicar en casa. Es importante fijarse bien en el traste de la guitarra, en la cuerda y en el número de dedo que hay que poner en cada bola roja.
miércoles
lunes
EL BALLET
La persona que realiza coreografías
se llama coreógrafo.
Si decíamos que la ópera era una obra de teatro
cantada, el ballet es una obra de teatro bailada.
Un ballet es una composición musical
destinada a ser representada coreográficamente y que puede constar de una o
varias partes.
El ballet puede, sencillamente, desarrollar una
acción plásticorítmica o bien escenificar un argumento por medio de la danza
que, a su vez, se fusiona estrechamente con la música.
Aunque sus inicios se dieron en Italia, el establecimiento
real del ballet en la forma en que lo conocemos tuvo lugar en Francia.
El Ballet gozó de mucha importancia en la Francia
del siglo xv y fue protegido por la Corte que, a veces, participaba en él de
forma activa para potenciarlo. De ahí nacieron los Ballets de la Corte, que
eran representaciones suntuosas con argumentos mitológicos, políticos y
satíricos.
Una de las obras más populares de este estilo fue
el Ballet comique de la Reine (1581), una representación coreográfica,
dramática, musical y escénica con un prólogo, dos partes y un gran ballet
final. Se lo considera el punto de partida de la historia del Ballet.
Estos ballets de la Corte llegaron a su punto culminante
con Jean Baptiste Lully (1632 - 1687), que los introdujo dentro de la
ópera francesa. Más adelante Jean Philippe Rameau (1683-1764) crearía la ópera
ballet, en la que la danza tiene el papel principal
y la par te dramática una función secundaria.
La práctica de incluir ballet en las óperas se fue
generalizando y extendiendo por toda Europa. La Gran ópera francesa del siglo
xix continuaba teniendo el ballet como parte esencial y esto obligó a
compositores como Verdi o Wagner a añadirlo en sus óperas cuando se estrenaban
en París.
Durante el Romanticismo se produjo una auténtica
revolución en el ballet. En 1832 la bailarina Marie Taglioni (1804-1884)
interpretó el papel principal de La sílfide, actuación con la que se
inició la etapa romántica del ballet. Con esta interpretación, se convirtió en
la primera bailarina que bailó en pointe, es decir, sobre las puntas de los
pies. También introdujo el tutú (falda confeccionada con capas de tul superpuestas
que llegaba hasta el tobillo) y el corpiño ajustado, que se convirtió en el
vestido clásico del ballet del siglo XIX.
Marie Taglioni creó un estilo delicado y etéreo que
se caracterizaba por los saltos flotantes y las posturas balanceadas como la arabesque.
El ballet romántico convirtió a la bailarina en protagonista absoluta de la
escena. En La sílfide (1832) o en Giselle (1849) el bailarín
masculino tan sólo acompaña el conjunto, sin protagonismo.
Esta etapa fue un preludio para la gran obra de Marius
Petipa (1818-1910), maestro del ballet, coreógrafo y bailarín francés que
influyó en el desarrollo del género. El arte de Petipa era de un gran rigor técnico
y un importante sentido de la elegancia que re- huía el virtuosismo y la
espectacularidad.
Petipa, después de ser el primer bailarín del
ballet del Teatro Imperial de San Petersburgo, fue nombrado primer maestro del
mismo sitio. Colaboró muy de cerca con compositores, libretistas y diseñadores,
siempre subordinando la música, el decorado y el argumento a sus coreografías.
MOZART Y MARÍA ANTONIETA
De haber sido así, mejor destino le hubiera corrido a ella, ya que tras casarse con el delfín (príncipe) de Francia, Luis XVI, llegó a ser reina de Francia y por ello guillotinada al igual que su esposo durante la Revolución Francesa en 1792.
viernes
EL CLASICISMO
 |
| Palacio de Beldevere en Viena |
El Clasicismo es el periodo musical que comprende la segunda mitad del siglo XVIII (1750, data de la muerte de J.S. Bach) y principios del siglo XIX (1820 aproximadamente).
Es una época de cambios: las monarquías absolutas empiezan a tambalearse y la burguesía va adquiriendo un lugar cada vez más relevante en la sociedad en detrimento de la nobleza. Paralelamente, en Europa nace un movimiento cultural, social y de pensamiento llamado Ilustración, que desembocará en la Revolución Francesa de 1789.
En 1751 se inicia en Francia la publicación de la Enciclopedia, una de las obras más importantes del siglo XVIII, que pretendía contener todos los conocimientos e ideas de la época. Esta obra fue el elemento de difusión más importante del ideario de la Ilustración.
En este siglo, llamado también “de las luces”, la ciencia tuvo un lugar destacado y representaba el progreso social que permitía mejorar la calidad de vida. Los principales avances científicos fueron, entre otros, el termómetro de mercurio, el pararrayos, la pila eléctrica y el perfeccionamiento de la máquina de vapor.
El arte del Clasicismo se caracteriza por un profundo interés por reencontrarse con las formas clásicas de las antiguas Grecia y Roma. Se rechazan las formas cargadas del Barroco y se busca la belleza, la proporción, y sobretodo la simplicidad y el equilibrio de la Antigüedad.
Es una época de cambios: las monarquías absolutas empiezan a tambalearse y la burguesía va adquiriendo un lugar cada vez más relevante en la sociedad en detrimento de la nobleza. Paralelamente, en Europa nace un movimiento cultural, social y de pensamiento llamado Ilustración, que desembocará en la Revolución Francesa de 1789.
En 1751 se inicia en Francia la publicación de la Enciclopedia, una de las obras más importantes del siglo XVIII, que pretendía contener todos los conocimientos e ideas de la época. Esta obra fue el elemento de difusión más importante del ideario de la Ilustración.
En este siglo, llamado también “de las luces”, la ciencia tuvo un lugar destacado y representaba el progreso social que permitía mejorar la calidad de vida. Los principales avances científicos fueron, entre otros, el termómetro de mercurio, el pararrayos, la pila eléctrica y el perfeccionamiento de la máquina de vapor.
El arte del Clasicismo se caracteriza por un profundo interés por reencontrarse con las formas clásicas de las antiguas Grecia y Roma. Se rechazan las formas cargadas del Barroco y se busca la belleza, la proporción, y sobretodo la simplicidad y el equilibrio de la Antigüedad.
En el campo musical destacan dos ciudades: la de Mannheim, donde se crearon las escuelas orquestales más importantes, y la de Viena. Esta última es considerada todavía hoy la capital musical por excelencia, no sólo porque allí vivieron los músicos más representativos del Clasicismo: (Mozart, Haydn y Beethoven), sino porque no ha dejado de mantener una activa tradición musical.
Debido a las nuevas corrientes filosóficas de la época, basadas exclusivamente en la razón, la música religiosa pierde importancia. Se sustituye el concepto de sociedad medieval, organizada en torno a Dios, por el de sociedad moderna, que da prioridad a la razón humana. Aun así, grandes músicos como Mozart y Haydn compusieron obras religiosas.
La ópera es el género de música vocal profana más impor tante del Clasicismo. Christoph Willibald Gluck (1714-1787), compositor alemán formado en Italia, estableció unas nuevas bases operísticas que dieron lugar al inicio de la ópera moderna.
Debido a las nuevas corrientes filosóficas de la época, basadas exclusivamente en la razón, la música religiosa pierde importancia. Se sustituye el concepto de sociedad medieval, organizada en torno a Dios, por el de sociedad moderna, que da prioridad a la razón humana. Aun así, grandes músicos como Mozart y Haydn compusieron obras religiosas.
La ópera es el género de música vocal profana más impor tante del Clasicismo. Christoph Willibald Gluck (1714-1787), compositor alemán formado en Italia, estableció unas nuevas bases operísticas que dieron lugar al inicio de la ópera moderna.
jueves
LA CLAVE DE FA EN 4ª
Para leer una clave de fa en cuarta hay un truco muy útil: apuntar con el ojo un grado más arriba: esto es, si la nota está en la segunda línea, como estamos en clave de fa miramos a la tercera y decimos si. Si está en el segundo espacio, miramos al tercero y decimos do. O sea es leer como en clave de sol, pero mirando un espacio o una línea más arriba de donde se encuentre la nota.
EL CONTRABAJO
Las cuerdas del contrabajo son tan largas y gruesas que se necesitan clavijeros mecánicos para aguantarlas y tensarlas. El contrabajista debe tener mucha fuerza para poder apretarlas contra el batidor.
Este instrumento fue desarrollado en siglo XVI
procedente del violón (también conocido como viola
contrabajo). Luego fue evolucionando y, ya en el s.
XVIII, Mozart le dio papeles destacados en la orquesta.
Pero fue Beethoven quien le asignó su lugar definitivo
y estable dentro de esta formación. Su sonoridad
grave proporciona una potente base armónica, a me-
nudo doblando una octava por debajo a los violonchelos.
El arco que se utiliza para tocar el contrabajo es más corto y pesado que el del resto de instrumentos de la misma familia. Antes de tocar, el instrumentista frota el arco con resina, fabricada con savia de pino. La resina vuelve pringosas las crines del arco y de esta forma éstas se adhieren a las cuerdas del instrumento y las hacen vibrar. Dicho procedimiento es idéntico para todos los instrumentos de cuerda frotada.
El diseño del contrabajo es ligeramente diferente
del resto de instrumentos de su familia: la parte superior es más caída, no tan redondeada, y la parte posterior más llana. Esto permite al instrumentista llegar
a todo el instrumento y, particularmente, poder tocar
las notas que se localizan cerca del puente.
Tiene un ámbito de tres octavas y es el instrumento más grave de la orquesta. La música para contrabajo se escribe en clave de Fa en 4a línea, igual que los otros instrumentos graves de la orquesta como el fagot y la tuba. Además, como se trata de un instrumento transpositor, suena una octava más grave de lo que está escrito.
El contrabajo tiene un papel importante tanto para la música sinfónica como en el jazz y la música tradicional. En la cobla, por ejemplo, es el único instrumento de cuerda y tiene la función de marcar el ritmo de la sardana.
El contrabajo, como el violonchelo, tiene una pequeña pieza de madera llamada pica, que sirve para
regular la distancia del instrumento respecto al suelo.
El arco que se utiliza para tocar el contrabajo es más corto y pesado que el del resto de instrumentos de la misma familia. Antes de tocar, el instrumentista frota el arco con resina, fabricada con savia de pino. La resina vuelve pringosas las crines del arco y de esta forma éstas se adhieren a las cuerdas del instrumento y las hacen vibrar. Dicho procedimiento es idéntico para todos los instrumentos de cuerda frotada.
Tiene un ámbito de tres octavas y es el instrumento más grave de la orquesta. La música para contrabajo se escribe en clave de Fa en 4a línea, igual que los otros instrumentos graves de la orquesta como el fagot y la tuba. Además, como se trata de un instrumento transpositor, suena una octava más grave de lo que está escrito.
El contrabajo tiene un papel importante tanto para la música sinfónica como en el jazz y la música tradicional. En la cobla, por ejemplo, es el único instrumento de cuerda y tiene la función de marcar el ritmo de la sardana.
miércoles
LA FLAUTA MÁGICA
 |
| Wolfgang Amadeus Mozart. Lee su biografía. |
- El aria de la Reina de la Noche en la que la Reina de la Noche se muestra en pleno ataque de cólera. Esta aria es cantada por una soprano de coloratura, voz que puede ejecutar las notas más agudas cambiando de una a otra de forma muy rápida.
LA MÚSICOTERAPIA
Tiene sus orígenes en los descubrimientos de los efectos curativos que ejercía en la música en los heridos de la Segunda Guerra Mundial y nace como profesión en 1950 en los Estados Unidos.
La musicoterapia parte del principio de que todas las emociones (angustia, tristeza, miedo...) se originan en el cerebro. A través de la terapia se envían sensaciones que relajan el cerebro, anulando los impulsos que puedan generar una enfermedad. Tambíen se puede conseguir el efecto contrario.
La musicoterapia ayuda a superar problemas de personalidad, como la inseguridad, la timidez... También para tratar otros trastornos como el autismo, la disminución psiquica o la depresión
También se han realizado estudios que demuestran que si las gallinas o las vacas escuchan música, ponen más huevos o dan más leche, respectivamente.
GIUSEPPE VERDI: LA TRAVIATA
Giuseppe Verdi (1813
Roncole – 1901 Milán).
De familia sin mucho dinero, a los diez años, organista de la iglesia de su pueblo. No fue admitido en el conservatorio de Milán por problemas burocráticos. Tenía un fortísimo amor a su patria Italia.
De familia sin mucho dinero, a los diez años, organista de la iglesia de su pueblo. No fue admitido en el conservatorio de Milán por problemas burocráticos. Tenía un fortísimo amor a su patria Italia.
Escribió muchas óperas: Nabucco, Macbeth, Rigoletoo, il
trovatore, La Traviata, don Carlo, Aída. También escribió un Réquiem y otras obras instrumentales. El libreto (el texto donde se cuenta la historia) de Nabucco
cayó en sus manos en el peor momento de su vida: su mujer y sus dos hijas se
habían muerto, las tres, casi a la vez; su segunda ópera (Un giorno di regno)
había sido un fracaso estrepitoso. Verdi había decidido no volver a dedicarse a
la música. Pero tras leer el libreto, se animó o tal vez se puso a trabajar con
todas sus fuerzas para enfrentarse así a la depresión que atravesaba.
La donna e mobile es una aria de la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Es una de las más famosas arias de la lírica universal y fue compuesta en último momento ante la exigencia de un tenor que necesitaba un aria para lucirse ante el público en el último acto de la ópera Rigoletto.
La donna e mobile es una aria de la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Es una de las más famosas arias de la lírica universal y fue compuesta en último momento ante la exigencia de un tenor que necesitaba un aria para lucirse ante el público en el último acto de la ópera Rigoletto.
lunes
BIOGRAFÍA DE MOZART
Biografía de Mozart: La genialidad precoz
Nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre, Leopoldo Mozart, también compositor, fue su educador musical. Fue quien lo instruyó y quien lo promocionó artísticamente en su niñez. Fue un niño increíble. A los 3 años cuando su padre enseñaba música a su hermana mayor Anna María, llamada cariñosamente “Nannerl”, el niño pidió a su padre que le enseñara a él también.
Nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre, Leopoldo Mozart, también compositor, fue su educador musical. Fue quien lo instruyó y quien lo promocionó artísticamente en su niñez. Fue un niño increíble. A los 3 años cuando su padre enseñaba música a su hermana mayor Anna María, llamada cariñosamente “Nannerl”, el niño pidió a su padre que le enseñara a él también.
Su
padre le explicó que él aún era muy pequeño, pero Wolfgang no se dio por
vencido y al salir su padre de la habitación se sentó frente al teclado del
clavicordio (especie de piano antiguo) y repitió perfectamente la lección
que su padre acababa de dar a su hermana. A partir de ese momento su asombrado
padre comenzó a enseñarle y el niño aprendía a una velocidad vertiginosa, antes
de cumplir los 5 años ya había compuesto sus primeras obras y para los 6 tocaba
no sólo el clavicordio, sino también el violín y tenía una facilidad asombrosa
para las matemáticas.
Su
hermana también era muy talentosa y pronto los dos niños se hicieron famosos en
toda Europa. Su padre los llevaba a presentarse ante las principales cortes y
principados. En los largos viajes en coche, los
niños practicaban en teclados de madera con las teclas pintadas.
niños practicaban en teclados de madera con las teclas pintadas.
Con
6 años recién cumplidos Mozart era un niño prodigio que conmovía a todos por su
precoz genialidad. A los 8 años compuso su primera sinfonía, y a los 11 un
oratorio y un drama. Poco a poco se fue convirtiendo, tras una severa educación
musical, en uno de los mayores genios de la historia.
A
los 6 años al volver a casa después de uno de sus viajes compuso un pequeño
minueto para celebrar su regreso. Unos días más tarde su padre le regaló un
violín y esa misma noche el niño pidió a su padre que le permitiera tocar con
los músicos que se reunían en la casa de la familia a practicar. Cuando su
padre se negó, uno de los músicos pidió que dejaran el niño a su lado con la
condición de que tocara muy bajo. Poco a poco el niño terminó siguiendo la
música con una maestría increíble.
En
su viaje a Viena, Austria Nannerl y Wolfgang se presentaron frente al emperador
y la emperatriz. Allí el emperador le dijo al niño que iba a cubrir el teclado
del piano con una tela negra, el niño dio un gran
suspiro y comenzó a tocar sin mirar el teclado, ¡él no necesitaba mirar las teclas para tocar!
suspiro y comenzó a tocar sin mirar el teclado, ¡él no necesitaba mirar las teclas para tocar!
Antes
de los 10 años compuso su primera sinfonía y algunas sonatas dedicadas a las
damas de la nobleza. A los 14 años escribió de memoria una versión muy aproximada de un concierto
que había escuchado en la capilla sixtina en Roma.
Además
de con su padre, quien se ocupó de que tuviera una excelente formación, él
estudió con los mejores maestros de la época, como Johann Christian Bach -el
menor de los veinte – sí has oído bien,
veinte hijos – del gran Johann Sebastián- en Londres y con el padre Martín, en
Bolonia.
En
1767 la familia se estableció en Viena, y allí el niño Mozart comenzó a
escribir una misa solemne, varias sinfonías, algunos lieder y, sobre todo,
empezó a cultivar el género operístico que lo llevó a los niveles más altos. En
1769, con 13 años, fue nombrado maestro de conciertos del príncipe-arzobispo de
Salzburgo, hombre que no supo apreciar el talento avasallante del adolescente.
Como
Mozart quería seguir viajando, le pidió permiso al arzobispo quien lo despidió
de su trabajo. Realizó su viaje por París (1777) y por Italia, donde estrenó
varias óperas. A pesar de su deseo, Mozart no pudo quedarse en París, en cuyo
viaje murió su madre que lo acompañaba. Por ello, tras 16 meses, volvió a
Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo -gracias a que Leopoldo
Mozart intervino para recuperar el puesto para su hijo-.
Pero
el éxito llegó con sus primeras óperas, por lo que Mozart se pudo ir de allí e
instalarse en Viena como músico libre. En aquella ciudad se casó en 1782 con
Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de su juventud. Los
problemas de salud de ambos hicieron que vivieran en precariedad durante el
resto de sus vidas, a pesar de que les sobraba trabajo (alumnos, conciertos,
composiciones, encargos del emperador José II, etc.).
Mozart
siguió escribiendo partituras: decenas de obras y óperas, como el "Rapto
del Serrallo" (primera ópera en alemán), "Las bodas de Fígaro"
(1786), "Don Giovanni" (1787). Hasta que volvió a realizar una gran
gira de conciertos por Frankfurt, Munich, Mannheim y Magunci.
En
1791, a pesar de estar enfermo y lleno de deudas, se dedicó a escribir
ansiosamente partituras. Tras estrenar "La flauta Mágica" y la
"Clemenza di Tito" (en ese mismo año), Mozart comenzó a trabajar en
un encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem. Un réquiem
consiste en crear canciones para que sean cantadas en un funeral. Él, como
estaba muy enfermo y aturdido, pensó que esa persona en realidad era una voz
que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo), pero
parece que fue un melómano (el conde de Walsseg) quien se la encargó a
escondidas para poder estrenarla como suya.
Se
cuenta que cuando hacía frío en su casa, al no tener dinero para calefacción,
se ponía a bailar con su mujer hasta entrar en calor. Su carácter era muy
jovial y alegre.
Mozart
murió consumido por la tisis el 5 de diciembre de 1791, en Viena, antes de
cumplir los 36 años. Y dejó sin terminar la que llegó a ser una de las más
bellas composiciones de la historia: su “Misa de Réquiem”. Su discípulo
Süssmayr fue el encargado de completar la partitura. Mozart fue enterrado en
una fosa común, y a su funeral nadie acudió, porque estaba lloviendo
Fue un genio absoluto, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura, con la capacidad de seguir sorprendiendo y emocionando. Un referente de la música de todos los tiempos, Mozart, se destacó con una magnificencia poco vista, sobre todo teniendo en cuenta su precocidad como autor.
Fue un genio absoluto, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura, con la capacidad de seguir sorprendiendo y emocionando. Un referente de la música de todos los tiempos, Mozart, se destacó con una magnificencia poco vista, sobre todo teniendo en cuenta su precocidad como autor.
Cultivó
todos los géneros y en todos ellos sobresalió por sus sobresalientes
condiciones. Sus obras más conocidas son las óperas "Don Juan",
"La flauta mágica" y "Las bodas de Fígaro"; un célebre
"Réquiem"; un "Tedéum" y numerosas obras más de carácter
religioso. Asimismo, música de cámara, treinta y cinco lieder, varias sinfonías
y numerosas sonatas para piano -su instrumento favorito, que llegó a dominar a
la perfección-.
Como
compositor dramático se distinguió por abandonar las formas convencionales, por
dar la expresión exacta del sentimiento dramático, por tener la claridad de la
armonía y la pureza de la melodía. Por todo esto es considerado uno de los más
innovadores. Pocos artistas como él supieron combinar de forma tan admirable la
gracia melódica italiana con la amplitud de sentimiento y robustez alemanas.
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